A des années-lumière des salles guindées et des profils compassés, loin du tapage et du bling bling, dans la simplicité élégante qui sied à la véritable passion, voici un festival pas comme les autres qui va réunir des publics venant de différents horizons. Le « Beaulieu Classic Festival » s’annonce comme une véritable fête populaire dans le meilleur sens du mot. La qualité sera en effet au rendez-vous afin de satisfaire les mélomanes les plus exigeants mais cette manifestation donnera également l’occasion à de jeunes ou moins jeunes amateurs de découvrir des partitions dont ils sont peu familiers.

Telle est la volonté de Chrystelle Couturier, elle même artiste lyrique organisatrice de l’événement. « Durant dix jours le public pourra assister à la mise en lumière d’au moins dix instruments : le bandonéon, le piano, la harpe, la guitare, le violon, le violoncelle, la contrebasse, l’alto, le saxophone et bien sûr la voix ». Un programme riche et éclectique qui débutera avec une grande soirée organisée sur la plage de la Petite Afrique samedi 14 septembre. « Une nuit à Buenos Aires » pour tous, avec les accents envoûtants des tangos argentins et des démonstrations de danse.

Pour annoncer ce festival pas comme les autres les organisateurs avaient convié le talentueux pianiste Steeve Villa-Massone qui illumine régulièrement les rues de Nice avec son piano rouge. Nous avons pu découvrir un compositeur étonnant qui, sans renier le répertoire classique et romantique qu’il affectionne particulièrement, est capable d’innover avec des rythmiques et des mélodies plus contemporaines. Il mettra en fête les rues berluganes durant la journée d’ouverture.

Ne manquez donc pas l’occasion de faire une petite balade à Beaulieu à l’occasion de ce festival extrêmement prometteur dont toute la programmation est accessible sur

INFOLINE: +33 (0)6 24 61 44 83

beaulieuclassicfestival.com

Il suffit parfois de presque rien, d’un sourire, de murmures incertains, d’une main tendue pour déclencher un coup de foudre. Pourquoi n’en serait-il pas de même pour les lieux, les villes, les communautés? J’ai à peine entrevu Nantes, son jardin des plantes, ses ruelles, sa cathédrale et rencontré, par hasard, quelques témoignages du temps présent. Œuvres d’artistes contemporains ayant aiguisé leur regard pour dire la nécessité de revoir les choses, d’embellir le quotidien pour combattre le mal de vivre. Curieux « Voyage à Nantes » que cette cité nous offre au hasard de déambulations qui deviennent théâtre vivant inscrit dans la pierre. Paradoxe? Non, vitalité décordante. Une « jungle intérieure », signée Evor, vient modifier le paysage urbain. Les façades, placées dans un écrin de plantes, deviennent scène pour un parcours végétal invraisemblable. Un autre mur, vestige médiéval de constructions remarquables, est devenu pour Flora Moscovici support pour dire « Le temps entre les pierres ». Mélange d’eau, de chaux et de pigments pour des traces d’or qui, peu à peu, s’effaceront avec notre mémoire. Un « voyage à Nantes » bien trop court pour moi et le désir violent de revenir, de réfléchir, d’explorer une ville énigmatique tant elle vibre sans le dire.

A sa façon, mâtinée de poésie et d’idéologie, Arman militait pour l’objet. Cet objet qu’il chérissait, dont il percevait l’esthétique à travers son utilité. IL estimait qu’il devait être chéri, réparé, conservé. C’était son « parti pris des choses » à lui dans le sillage du poète Francis Ponge. Une manière, avant l’heure, de lutter contre les excès de la société d’hyper-consommation et son obsolescence programmée.

La nouvelle exposition que consacre au  maître du Nouveau Réalisme le Musée de Vence met judicieusement en exergue cette philosophie qui, sans dire son nom, a guidé l’artiste plasticien dans ses choix.  « Nouvel état des choses », tel en est l’intitulé. Des « poubelles » aux légendaire « colères » destinées à tailler en pièces salons bourgeois et signes ostentatoires de richesse (à la hache comme à la galerie John Gibson ou à bord d’un bulldozer comme au MAMAC à Nice), des instruments de musique ou meubles calcinés aux accumulations d’ustensiles de cuisine, nous voilà immergés dans l’univers du sculpteur, fils de brocanteur et amoureux fou des outils ou ustensiles de toutes sortes.

Celui que l’on a qualifié de « blouson noir de l’art contemporain » a célébré aussi un piano détruit, épave d’un naufrage imaginaire. Cet « accord parfait » installé sur le parvis du Musée de Vence est un heureux prélude à la visite de l’exposition. « Incarnant le projet de l’artiste d’une « archéologie du futur » Accord Parfait fait l’éloge suprême du rebut, en transformant des débris en trésor archéologique » dit Jérôme Neutres, commissaire de l’exposition. Dans le même esprit, la série « Atlantis », en référence à l’île mythique disparue, met en scène des pièces en bronze dotées d’une patine spéciale qui leur donne l’aspect d’épaves archéologiques repêchés dans les fonds marins. Une salle, dont l’agencement est particulièrement réussi, célèbre cette étape majeure dans le parcours d’Arman. Et l’on reste songeur devant l’acuité d’un propos qui, avant que chacun n’en soit convaincu, dénonçait dès les années soixante les excès d’une civilisation qui perd son être pour tomber dans l’accumulation des avoirs.

 

Bien-Sûr le propos (intelligent, percutant, émouvant). Bien-sûr la facture (habile, inventive, soignée). Mais il y a autre chose qui finalement s’impose comme un essentiel. L’émotion que l’on ressent devant l’installation de Tatjana Sonjov présentée dans le cadre majestueux de la citadelle de Villefranche-sur-Mer.

Appel à la contemplation, à la réflexion, à la communion aussi. Dans la mesure où chacun, peu ou prou, se sent forcément concerné par cette œuvre plastique qui en dit long sur la mémoire cicatricielle, le poids des générations et l’empreinte culturelle qui, à bas bruit, façonne nos vies.

Tanja a longuement réfléchi. Elle a chiné des objets insolites afin de pouvoir construire son triptyque. Des bavoirs anciens finement ouvragés ont reçu des jets de peinture noire, comme pour dire la trace des soins maternels et des exigences qui en découlent. Elle a pris soin aussi d’apporter sa marque en brodant sur l’étoffe des petites figures jaunes ou rouges, souvenirs, larmes ou regrets…

Sa performance consistait à habiter un lieu magique, chargé d’histoire. Tanja a habillé les colonnes de draps brodés qui évoquent des familles, des générations. Elle a posé des chaussures comme des pieds qui se dévoilent pour bien affirmer qu’il s’agit ici d’une aventure humaine en marche vers un avenir certain même si sa consistance baigne dans l’incertitude. Nul ne peut rester insensible devant cette façon très personnelle d’investir un monument patrimonial. Tatjana Sonjov a beaucoup de chemin devant elle car dans son esprit de plasticienne inspirée se bousculent des tas d’idées nouvelles dont elle craint souvent qu’il ne s’agisse de redites.  Ce doute vertueux est la vraie marque du talent.

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Informations; Tatjana Sonjov 06 15 14 03 15

Adrien et Isabelle Maeght (ci dessus en compagnie de la commissaire de l’exposition, Rosa Maria Malet) étaient particulièrement émus lors de la présentation à la presse de l’événement estival de la Fondation inauguré aujourd’hui. Car c’est Mirò qui est à l’honneur avec la plus importante collection privée française du « fauve catalan ». Depuis l’origine, entre Mirò et la famille Maeght il s’agit d’une histoire d’amour. L’artiste fit partie des fondateurs et marqua à jamais l’histoire de ce lieu magique avec son fabuleux labyrinthe qui serpente dans les jardins. Aujourd’hui son œuvre graphique, dont la partie essentielle fut réalisée dans l’imprimerie Arte fondée en 1964 par Adrien Maeght, ouvre les cimaises.

Plus de 200 pièces, dont un ensemble de gouaches inédites, maquettes, affiches, gravures, lithographies originales, plaques de tirage, bons à tirer et ouvrages de bibliophilie, constituent une exposition axée sur ce travail passionnant qui utilise un nouveau vocabulaire pour dire les choses et les émotions, « Joan Mirò au delà de la peinture » 

A l’écart des modes, ignorant les courants qui poussent certains  à œuvrer « à la manière de… », Mirò a puisé l’inspiration dans les objets du quotidien, s’est laissé conduire par son instinct et a métamorphosé les formes les plus simples un peu sans le vouloir. Itinéraire fabuleux d’un artiste profondément ancré dans son temps, extraordinaire inventeur qui, tel un enfant émerveillé devant le réel qu’il découvre, laisse voguer son imaginaire sur des sentiers vierges. Mirò est un artiste très facile à reconnaître mais il est bien plus hasardeux de prétendre le connaître. Il faudrait, pour y parvenir, comme l’a noté la commissaire de l’exposition, s’aventurer sur des chemins non encore défrichés. Et pour déchiffrer son langage inédit, une visite à la Fondation, constitue une première étape, essentielle.

« Joan Mirò au delà de la peinture ». Fondation Maeght. 633, Chemin des Gardettes, Saint-Paul-de-Vence +33 (0)4 9332 8163 info@fondation-maeght.com

Une leçon de vie et une leçon de théâtre. Erwan Quesnel force l’admiration tant il est vrai, péchu et subtil dans son one man show qui met en scène ses difficultés, ses errances, sa souffrance et son courage. « La complainte du bipo » c’est sa petite musique de nuit à lui (musique ici composée et jouée par l’excellent Laurent Zoppis). La mise en scène est de Cédric Garoyan.. Il ne peut s’en défaire mais il a appris à l’apprivoiser et c’est une jolie coïncidence que se spectacle ait eu lieu au Théâtre des Oiseaux.

L’oiseau vole de ses propres ailes mais parfois se cogne aux vilains poteaux des villes et sombre. Il ne supporte pas la cage qui pourtant le met à l’abri. Il se débat entre ces paradoxes mais pourtant, comme le dit la chanson « Rien ne l’empêche d’aller plus haut ».

Erwan Quesnel aimerait bien faire comme l’oiseau. Il en a les capacités. Mais la maladie le cloue au sol par moments. Alors il se met en colère, fulmine contre les camisoles chimiques et les soignants, hurle, devient délire et vociférations. Puis, comme il est extrêmement lucide et intelligent, il se calme, se réconcilie avec l’existence, accepte sans toutefois renoncer. Il ne renoncera certainement pas à sa carrière de comédien et c’est tant mieux pour nous, spectateurs. Il continuera, lui « l’intermittent de l’hôpital psychiatrique » à monter sur scène et à nous démontrer que la bipolarité n’empêche ni le talent ni la création.  Ce spectacle pourrait devenir un petit traité à l’usage des patients maniaco-dépressifs. Il évoque les phases dangereuses durant lesquelles ils se sentent les rois du monde et celles de la descente aux enfers. Alternance terrible mais que l’on peut juguler. Afin de vivre, d’aimer et de créer. Bravo Erwan! Un long chemin t’attend et peut-être pourras-tu guider dans ton sillage d’autres êtres qui pour être fragiles n’en sont pas pour autant moins géniaux.

« La complainte du bipo » de et par Erwan Quesnel. Musique de Laurent Zoppis. Mise en scène de Cédric Garoyan.

Macha Meril était là. Elle a beaucoup souri et parfois ri aux éclats. Elle a aimé. Et à l’issue de la représentation elle a raconté l’histoire de ce spectacle à l’affiche du théâtre de Poche, à Paris. « Michel venait de disparaître. Ils sont venus me voir et m’ont annoncé qu’ils allaient monter un hommage en trois semaines seulement! ». Et ce fut fait. Joué avec succès au début du printemps, puis repris le 25 mai. Une salle joliment aménagée en cabaret, comble et comblée.

Quatre comédiens, à la fois chanteurs et danseurs, nous font revivre les grands moments de la vie mouvementée et de la réaction plurielle du musicien. Enthousiasme, vivacité, facéties, émotions… Pas une seconde de répit à l’image d’une carrière éblouissante qui a marqué plusieurs générations et continue à vivre dans les cœurs et les orchestres. Stéphan Druet et Daphné Tesson ont conçu un hommage vibrant et inspiré. Michel Legrand est bien là. Il nous transporte dans ses envolées rythmiques, nous éblouit par ses pirouettes symphoniques et nous insuffle l’amour, la joie, la vie.

Pour servir ces partitions nombreuses qui se bousculent, s’entrecroisent et se mêlent en un feu d’artifice éclatant deux musiciens, Benoit de Mesmay au piano et Stéphane Corbin à la contrebasse. Sur le plateau, Emmanuelle Goizé, Mathilde Hennekinne, Gaétan Borg et Sebastiàn Galeota rivalisent de punch et de talent. Un spectacle joyeux et enlevé à ne pas manquer.

Jusqu’au 14 juillet. Théâtre de Poche. 75 boulevard du Montparnasse. Paris. Tel 01 45 44 50 21

À l’occasion du 350e anniversaire de la mort du maître, le Rijksmuseum présente pour la première fois de son histoire une exposition rétrospective de toutes les peintures, gravures et dessins de Rembrandt, issus de sa propre collection. Un événement artistique car certaines pièces ne sont montrées qu’exceptionnellement en raison de leur fragilité, notamment leur extrême sensibilité à la lumière. Ainsi, à côté des chefs d’œuvre du peintre que chacun connaît comme « La fiance juive » ou « Le syndic de la guilde des drapiers », pouvons-nous découvrir un graphisme passionnant, étonnant et réellement moderne dans certains dessins accrochés aux cimaises jusqu’au 10 juin. Il faut donc se hâter de faire un petit tour dans cette ville magique pour ne pas passer à côté de cette opportunité unique.

Rembrandt, malgré les ors du 17e siècle néerlandais, ne resta jamais cantonné à  la représentation de la beauté, de ses atours, de ses richesses. Sa maîtrise absolue, fabuleuse, novatrice, du clair obscur servit tout au contraire la mise en abîme de l’homme, la description des vicissitudes de la vie, l’angoisse de la mort. Ses scènes de genre campent des gens de peu, des travailleurs, une femme pensive, un vieil homme plongé dans l’obscurité mais dont une chandelle nous révèle la fascination pour la lecture.

La nature n’échappe pas à l’acuité du regard de Rembrandt même si le peintre, portraitiste avant tout, a réalisé peu de paysages. « Les Trois Arbres » notamment témoignent d’un graphisme époustouflant. Dans cette magnifique gravure à l’eau-forte et pointe sèche on sent la caresse du vent, on perçoit le danger d’un ciel d’orage et l’on entend le bruissement des feuilles. Toute une dramaturgie surgie de l’observation attentive d’un coin de campagne familier. De la même façon, dans chaque œuvre Rembrandt se fait conteur et photographe bien avant l’heure. Il donne à voir une histoire et ses portraits captent les rides de l’âme sous les traits du visage. Ainsi en est-il de cette femme (voir photo ci-dessous) qui, mesure la force de ses richesses, exprime le profond contentement d’être ainsi parée de perles, bijoux et dentelles. Elle ne doute de rien ou bien elle confond l’avoir et l’être, pourrait-on dire aujourd’hui. Splendide témoignage de certains aspects de la nature humaine. Rembrandt génie du graphisme, de la peinture et de l’étude de ses semblables.

« Tout Rembrandt ». Jusqu’au 10 juin. Rijksmuseum. Amsterdam

Il y a les arbres majestueux, invincibles, dans le parc de la propriété. Ils affirment la volonté d’un monde meilleur, l’évidence du renouveau qui en ce printemps florissant gagne la nature toute entière. Les jardins de la propriété Caillebotte, merveilleusement restaurée dans la petite ville d’Yerres, à quelques encablures de Paris, accueillent les sculptures de Markus Lüpertz.

Un artiste né en Bohème, émigré en Rhénanie au lendemain de la guerre, confronté à un passé intolérable et faisant sienne la volonté de s’approprier la figure pour cheminer vers un art singulier empreint de l’héritage de l’expressionnisme abstrait américain et de la peinture française. Les sculptures défont les paradigmes des héros de l’Antiquité, égratignent les images nobles des dieux greco-romains. Elles donnent à voir un irréel tourmenté, faisant écho aux monstres ignobles que peuvent cacher les idéaux de force et beauté.

Cette façon d’utiliser le corps comme « motif » plastique afin de dire en même temps le poids de l’histoire se retrouve dans les « Nus de Dos », peintures massives, sans têtes, ornées d’éléments évoquant les attributs du nazisme. Markus Lüpertz reste dans un discours glacial, sans concessions. Le tableau vaut pour et par lui-même. Il fait corps.

Comme le dit Danièle Cohn, commissaire de l’exposition « Dans un monde de l’art qui voulait oublier la peinture, Lüpertz a bénéficié d’un effet générationnel. Il prend place et part à cette formidable constellation allemande, qui, pour des raisons historiques propres à ce pays, a osé choisir et inventer encore une fois la peinture: Gerhard Richter, Anselm Kiefer, A.R. Penck, Georg Baselitz, Sigmar Polke, Jörg Immendor… ».

L’artiste place le motif (ici de simples tentes) au centre de ses compositions. Le détail devient essentiel comme s’il devait devenir monument. Se détachant sur un fond uni l’objet acquiert une autre dimension. On oublie sa fonctionnalité pour recevoir l’impact de la couleur. C’est la voie choisie par l’artiste pour « oser la peinture » à une époque où la mode va plutôt vers un renoncement et où l’avant-gardisme vise d’autres horizons. « Le « je » du « je suis peintre » est celui d’un sujet qui accepte le pari d’un universel subjectif, d’une singularité exemplaire, parce qu’il endosse son temps comme les passés pour préparer une peinture de l’avenir » nous dit encore Danièle Cohn.

Et plonger dans cet univers plastique en ces lieux mêmes où Gustave Caillebotte a voulu, à sa façon et en son siècle, révolutionner le regard du peintre a quelque chose d’émouvant et de vivifiant.

 

 

 

 

Le mythe est immuable, inscrit dans l’inconscient collectif, intact. Pour rendre « Don Giovanni » spectaculaire au meilleur sens du terme, pour insuffler la vie à tout instant dans cet opéra délicat, peu lyrique en dépit de la sublime musique de Mozart et des voix superbes qui l’interprètent, il fallait une idée. Daniel Benoin a imaginé un plateau constitué d’un lit immense, immaculé, où les draps se souviennent des ébats amoureux effrénés de l’antihéros mais se muent également en linceul à l’heure du trépas.

L’étoffe ondule d’ailleurs par moments sous l’effet de lasers et la vidéo rehausse le propos. On retiendra cette scène durant laquelle les portraits de Don Giovanni emplissent l’espace, se resserrent pour constituer une véritable prison dans laquelle s’étiole la jeune fille perdue par sa passion. Le visuel vient ici soutenir les émotions et suit note après note la partition de cet opéra chef d’œuvre.

La distribution internationale  est composée de chanteurs russes, italiens, géorgiens et la direction musicale est confiée à György G. Ràth,  directeur du philarmonique de Nice. Voilà un « Don Giovanni » lumineux, errant dans les ténèbres de son âme tourmentée, perdu par une fuite en avant qui, voulant abolir la mort, la provoque par anticipation. Une nouvelle version à découvrir vite. Il ne reste qu’une représentation dimanche 10 février!

Dernière représentation dimanche 10 février à 15h30. Anthéa. 260, av. Jules Grec, Antibes. Tel. 04.83.76.13.00